Arte: Un camino hacia el futuro—La conversación de José Dávila con Josef Albers

“El color, en mi opinión, se comporta como el hombre—de dos maneras distintas: primero en su autorrealización y luego en la realización de relaciones con los demás… He manejado el color como el hombre debería comportarse. Con ojos entrenados y sensibles, puedes reconocer este doble comportamiento del color. Y de todo esto, puedes concluir que considero la ética y la estética como una sola cosa.” —Josef Albers

Incorporar obras icónicas del repertorio de la historia del arte en nuevas creaciones de una manera reconocible es un método desarrollado y establecido como un vocabulario de expresión, especialmente a lo largo del arte del siglo XX, desde el Surrealismo hasta el Pop Art. La cita, la alusión y la apropiación eran homenajes, pero al mismo tiempo parecían ser un tipo de juego entre el creador y el espectador, quienes compartían el conocimiento de esa imagen icónica, con el entendimiento común de que la originalidad siempre tiene el máximo valor. En el siglo XXI, gracias a Internet, todos tienen acceso a una gran cantidad de imágenes de todas las épocas y lugares del mundo. En la actualidad, donde la historia del arte en sí misma se comparte como un recurso de código abierto, la pregunta sobre qué crear basándose en el legado de los predecesores se plantea más que nunca.

José Dávila, quien estudió arquitectura en la universidad de su ciudad natal, Guadalajara, forma parte de una generación de artistas que comenzó a trabajar en la década de 1990 en una economía de libre mercado post-Guerra Fría y una cultura que se globalizaba rápidamente. Su obra abarca una amplia variedad de disciplinas, incluyendo obras tridimensionales, instalaciones, pinturas y recortes fotográficos. Es mejor conocido por sus instalaciones con materiales de construcción como vidrio y paneles de piedra sujetados con correas de carga para mantener un equilibrio precario, así como por sus obras tridimensionales que combinan la silla Acapulco, originaria de las zonas turísticas de México, con rocas suspendidas en el aire. Entre sus obras más representativas se encuentran aquellas inspiradas en artistas del siglo XX como Pablo Picasso y Donald Judd, así como en Luis Barragán, uno de los principales arquitectos modernistas de su ciudad natal. Josef Albers, un destacado artista abstracto, también capturó la atención de Dávila, y esta exposición consiste enteramente en obras basadas en la serie Homenaje al Cuadrado de Albers, en la que Dávila ha estado trabajando intermitentemente durante más de una década.

Homenaje al Cuadrado – un ícono del arte del siglo XX

Josef Albers (1888-1976), quien estudió y enseñó en la Bauhaus, se trasladó a los Estados Unidos en 1933 cuando la institución cerró debido a la presión nazi. Tras desarrollar su legendaria enseñanza del arte en el Black Mountain College en Carolina del Norte, en 1950 comenzó la serie Homenaje al Cuadrado mientras enseñaba en la Universidad de Yale y otras instituciones, difundiendo sus teorías.

La producción de Homenaje al Cuadrado comenzó cuando Albers tenía sesenta y dos años y continuó por más de 25 años hasta su último año de vida, cuando tenía ochenta y ocho. Como es bien sabido, la serie experimentaba con la interacción de los colores mediante la disposición de superficies coloreadas en forma de tres o cuatro cuadrados anidados. Se dice que produjo entre mil y dos mil piezas en total. La pintura se aplicaba directamente desde los tubos sobre masonita (tablero de fibra dura), principalmente con una espátula. Los cuadrados no se pintaban uno encima del otro, sino que cada color se aplicaba directamente sobre una base blanca. Los colores, libres de la opacidad causada por la mezcla de pigmentos, cambiaban de apariencia según los colores adyacentes. La ilusión también creaba una sensación de profundidad inexistente en la realidad, haciendo que un cuadrado pareciera estar sobre otro.

Con esta obra, Albers hace consciente al espectador de los mecanismos perceptivos y las ilusiones involucradas en la visión del color. También explicó generosamente la teoría que encarna su trabajo a través de conferencias, charlas y escritos. Su libro La Interacción del Color (publicado por primera vez en 1963), que comienza con la introducción «En la percepción visual, un color casi nunca se ve como realmente es», sigue siendo la biblia para quienes trabajan con el color hoy en día.

Homenaje al Cuadrado, con sus colores luminosos y la repetición del cuadrado, la forma geométrica más fundamental, rápidamente capturó la atención del público. Se convirtió en uno de los iconos culturales de su tiempo, apareciendo en revistas como Life y Vogue, así como en programas de televisión y caricaturas de The New Yorker. Naturalmente, también ha habido numerosos artistas que han basado sus obras en Homenaje al Cuadrado. Cada uno ha reinterpretado la serie con su propia visión, pero es raro encontrar un artista que haya trabajado con esta serie de manera tan prolongada y utilizando una variedad tan amplia de técnicas, materiales y escalas como lo ha hecho Dávila.

Este artículo explorará la relación entre los dos artistas, explicando cada obra basada en Homenaje al Cuadrado de Dávila y cómo su diálogo con Albers se ha materializado en el arte contemporáneo.

Primeras obras

En su ensayo, Dávila recuerda la primera vez que vio Homenaje al Cuadrado. De hecho, era una réplica que colgaba en la pared de la Casa Luis Barragán en Ciudad de México (ahora un Sitio del Patrimonio Mundial y abierto al público) cuando la visitó. Más de una década después de este encuentro como estudiante, lo que puede considerarse el punto de partida de una obra basada en Homenaje al Cuadrado aparece en el trabajo temprano de Dávila en Art Basel Miami Beach en 2008. Allí, pintó un contenedor de carga de color azul y lo cortó en una serie de arcos cuadrados de varios centímetros de tamaño, como si estuviera cortando un pastel rectangular. Este objeto, que también puede verse como una influencia de la arquitectura de Barragán, parece una enorme versión tridimensional de Homenaje al Cuadrado cuando se observa de frente. En 2015, produjo una obra similar en un color diferente, así como un motivo semejante en 2018 en forma de una escultura hecha de acero inoxidable con aproximadamente el mismo tamaño. Estas grandes obras llevan el nombre de Sin Título.

Obra en cerámica

En 2011, Dávila creó una obra titulada Sin título en la que utilizó azulejos cerámicos, comúnmente empleados como materiales de construcción en cocinas y baños. Estos fueron cortados en piezas de entre 20 y 50 cm y dispuestos en capas en una composición similar a Homenaje al Cuadrado. Al año siguiente, en Art Basel Miami Beach, realizó una instalación compuesta por cuatro enormes rejillas de 8 metros cuadrados, colocadas sobre el césped frente al Bass Museum of Art. Las rejillas estaban escalonadas y descendían hacia el centro, formando un cuadrado en el que los visitantes podían sentarse y relajarse. En su ensayo dentro de este catálogo, Dávila describe esta obra como particularmente memorable, llevándolo a la idea de que «la obra está completa cuando el espectador está dentro» (lo describe como ‘habitar’ la obra).

Los contornos suaves de los azulejos cortados a mano evocan el hecho de que los bordes de Homenaje al Cuadrado de Albers, aunque parecen formas mecánicas hechas con regla, en realidad fueron dibujados a mano alzada, con las fronteras de las superficies coloreadas vibrando sutilmente al observarlas de cerca. Además, los azulejos de colores recuerdan la obra temprana de Albers Stacking Table (c. 1927), que tenía tapas de vidrio coloreado que también sugerían la yuxtaposición de colores en Homenaje al Cuadrado. El método de utilizar materiales de construcción y productos industriales para dar a sus obras una apariencia simple y de formas reducidas resuena con la creencia de Albers en la «economía de medios», es decir, lograr el máximo efecto con el mínimo de materiales y recursos mediante la exploración de sus posibilidades. Esta misma filosofía es mencionada por Dávila en su ensayo.

Homenaje al Cuadrado de Albers se analiza frecuentemente en términos de las ilusiones tridimensionales de profundidad que resultan de las combinaciones de colores empleadas. El cuadrado que Dávila crea superponiendo azulejos posee una profundidad física, asemejándose a una pirámide escalonada vista desde arriba.

Obra en vidrio

Aunque no están incluidos en la exposición, existen obras basadas en Homenaje al Cuadrado que utilizan vidrio, un material preferido por Dávila en otras instalaciones. En estas obras, cuatro piezas de vidrio incoloro cortadas en forma de cuadrados se colocan una sobre otra sobre una pared de color que ha sido pintada con la misma forma. El color en la pared llega a los ojos del espectador a través del vidrio, y las diferencias en el número de capas de vidrio se perciben como diferencias en las gradaciones de color. En contraste con el uso de Albers de una combinación de diferentes pinturas, Dávila describe esta obra como una «pintura por luz» porque crea un dispositivo en el que el color cambia a través de la luz transmitida por el vidrio en capas. El método de revelar la relación entre la luz y el color mediante el simple acto de colocar vidrios contra la pared nos recuerda una vez más la enseñanza de Albers sobre la «economía de medios». Durante su tiempo en la Bauhaus, Albers mostró un gran interés por el vidrio y lo incorporó en su trabajo. En este sentido, podemos encontrar elementos comunes en la obra de ambos artistas.

Móviles de Homenaje al Cuadrado

Los móviles, nombrados Homenaje al Cuadrado, que Dávila comenzó alrededor de 2013, expresan la influencia de la serie de Albers de manera más directa que la obra anterior titulada Sin título. La obra consiste en una serie de marcos cuadrados hechos de acero inoxidable que giran sobre un eje de alambre y están anidados entre sí para formar una reproducción esquelética de la composición de la obra de Albers, aunque en tamaños variados. La estructura de los marcos cuadrados, que están suspendidos, giran y cambian de forma, es una característica principal de la obra. Algunos móviles son monocromáticos, mientras que otros están pintados en diferentes colores para cada marco, y la idea derivada de la obra de Albers de hacer que los colores se muevan ha llevado a nuevas expresiones. Además, el movimiento lento de los móviles es también notable.

El móvil, que fue inventado por Alexander Calder y es una de las innovaciones del arte abstracto del siglo XX, se caracteriza por su capacidad de cambiar de forma en respuesta al más mínimo movimiento del aire. Las formas lentas pero en constante cambio de estas obras están en la frontera entre lo estático y lo dinámico. Alrededor de la misma época, en 2014, Dávila comenzó a presentar la serie Joint Effort, también basada en el tema del movimiento y la quietud. Esta obra, en la que se combinan objetos materiales para asemejarse a las poses de bailarines inmóviles en posiciones imposibles, evoca la dinámica del equilibrio que ocurre para mantener ese estado. El interés de Dávila en ese momento en desdibujar la línea entre la quietud y el movimiento también dio una nueva expresión a su serie Homenaje al Cuadrado.

La exposición como una obra de arte

Dávila fue un miembro temprano de OPA (Oficina para Proyectos de Arte), un espacio independiente para artistas establecido en Guadalajara en 2002, y ha curado exposiciones para otros artistas. Como tal, otorga gran importancia a la creación de una narrativa única para cada una de sus exposiciones individuales.

En esta ocasión, para conmemorar el hecho de que se trata de una muestra bipersonal, Dávila ha utilizado un móvil bicolor como imagen principal en carteles y otros materiales, además de haber creado nuevas piezas para la serie. También eligió los motivos de Homenaje al Cuadrado del libro de grabados Formation: Articulation de Albers y creó obras en azulejo con las mismas combinaciones cromáticas utilizadas en las impresiones. Los visitantes de la exposición pueden apreciar la lúdica interacción entre las obras de Albers y Dávila, que se exhiben lado a lado.

De esta manera, el diseño de la exposición en sí mismo se convierte en una nueva conversación con Albers y en un resumen de la propia serie Homenaje al Cuadrado de Dávila. En su ensayo, Dávila hace referencia al ensayo filosófico Especies de espacios del novelista francés Georges Perec, una especie de tratado sobre la habitabilidad, con el que analiza el espacio en las obras de Albers y en las suyas propias. En la exposición, podemos movernos libremente entre los móviles de Dávila en distintos tamaños, sus obras en azulejo y las pinturas y grabados de Albers, y experimentar, aunque sea por un breve momento, lo que él llama “habitar” una obra de arte.

En su ensayo, Dávila revela algunos de los secretos de su creación y habla con franqueza sobre la relación que ha establecido con Albers y con la historia del arte. Su generosidad también puede reflejar el método educativo de Albers. La relación que ha establecido con sus predecesores trasciende el tiempo y el espacio, y ahora él mismo la transmitirá a la siguiente generación. Esto guarda paralelismo con lo que Albers quería decir cuando hablaba del color y el comportamiento humano: “primero en la autorrealización y luego en la realización de relaciones con los demás”. Tenemos la fortuna de poder experimentar esta conexión al situarnos dentro del espacio de la exposición.

Seiko Sato (curadora, Museo de Arte Moderno de Gunma)