El Museo Haus Konstruktiv dedica una completa exposición individual al artista mexicano José Dávila. Junto con una selección de nuevas pinturas, se presentan una multitud de obras escultóricas que Dávila combina para producir sorprendentes conjuntos de obras mientras se involucra concienzudamente con la arquitectura del museo.

Arquitecto de formación, este artista se interesa por el espacio y la masa, por las leyes matemáticas y los fenómenos físicos. Así, su obra juega característicamente con la gravedad y la aparente ingravidez, con la estática y la dinámica, las fuerzas de tensión y compresión, y esos momentos precarios antes de que algo se derrumbe. Además, incorpora materiales naturales encontrados y fabricados industrialmente, a partir de cuya yuxtaposición crea obras que son tan sensorialmente poéticas como formalmente estrictas.

La exposición comienza en el primer piso con The Act of Being Together, concebida especialmente para el Museo Haus Konstruktiv: Veintiún vigas de acero prefabricadas de hasta cuatro metros de altura, cada una frente a rocas igualmente pesadas de la región de Zúrich. Cada uno de los pares opuestos está conectado por un cable de acero, que está suspendido por un gancho que cuelga del techo. Si una viga de acero se vuelca, el contrapeso conectado a través del cable sirve como protección. Las situaciones tensas en estas constelaciones estructuralmente notables se ven reforzadas por la elección de materiales del artista. Aquí, Dávila combina piedras naturales con productos industriales procesados mecánicamente, tematizando así la dicotomía entre naturaleza y cultura, que actualmente se renegocia en el contexto del cambio climático. Además, la construcción de aspecto minimalista del artista en acero y piedra también simboliza un valor socialmente relevante: el de la unión. El propio Dávila ve en esta pieza una alegoría de los hechos de los dos últimos años: “Se convierte así en una alegoría que resume los dos últimos años en el mundo, el tejido social, la ciudad como contenedor, el horizonte de la metrópoli, es también una obra que puede relacionarse con objetos monolíticos o ‘monumentos’ neolíticos que solo podemos interpretar pero nunca sabremos exactamente para qué fueron hechos, cuál es su significado o intención exacta, solo contemplamos su presencia, generalmente transmiten o retratar un momento profundo que se vuelve personal pero imposible de rastrear hasta su intención original”.

En el segundo piso se reúnen dos obras de varias partes de 2020. Primero, los visitantes se encuentran con una instalación dispuesta sobre un pedestal: Will has moved mountains, cuyo título hace referencia a un versículo bíblico que dice que la fe mueve montañas (Nuevo Testamento 1 Cor. 13:2). Un cubo de hormigón inclinado sobre una piedra, dos vigas de madera apiladas una encima de la otra y cuatro paneles reflectantes de gran formato inclinados precariamente, cada uno sostenido por un tubo de metal, una viga de acero, una rama o una piedra, se amarran con correas de tensión para producir una espectacular escultura espacial. La frágil estabilidad de la escultura es el resultado de una correspondencia equilibrada con precisión entre todas las fuerzas, soportes y ángulos de inclinación de los objetos. Solo un desplazamiento mínimo de las piezas individuales haría que los paneles de vidrio se volcaran y se hicieran añicos en el suelo. El efecto de suspenso transmitido al observador es atractivo y amenazante en igual medida.

La pintura Memory of a Telluric Movement cuelga en la pared detrás de la instalación. Se aprecian cinco lienzos en formato retrato en color rojo, dispuestos uno al lado del otro, por lo que el cuarto lienzo, ligeramente desplazado hacia abajo, rompe filas. Esta excentricidad se enfatiza aún más mediante una forma cuadrada de diferente color, cuya esquina superior derecha se extiende hasta el quinto lienzo. El cuadrado inclinado tiene el mismo ángulo de inclinación que el cubo de hormigón inclinado de la instalación Will has moved mountains, haciendo que las dos obras entren en diálogo; ambos representan vívidamente el fenómeno de la gravedad – uno de una manera físicamente experimental en el espacio, el otro representándolo en un lienzo bidimensional.

Memory of a Telluric Movement es también el título de esta exposición en el Museum Haus Konstruktiv. El manejo sensible de la masa y la ligereza, el volumen y la transparencia, las formas geométricas y orgánicas y los materiales naturales e industriales de José Dávila caracteriza sus distintivos objetos, instalaciones y pinturas. Al mismo tiempo, las exhibiciones en Haus Konstruktiv constituyen un recordatorio de que cualquier movimiento (telúrico), por leve que sea, puede causar el colapso de una estructura intacta y equilibrada. En este sentido, la exposición individual también se refiere a la situación global, que puede desequilibrarse rápidamente por acontecimientos sociopolíticos, ecológicos o económicos.

En la sala con columnas, Dávila presenta una amplia gama de objetos. Muchos de estos están posicionados individualmente, como Our similarities bring us to a common ground (2021), The exception that proves the rule (2021), The Act of Perseverance (2022), Collaborating together despite our differences (2022) y Fundamental Concern (2022) – mientras que otros se organizan para formar el grupo lleno de tensión Singularity has something of the unreal(2022). Todos crean un paisaje escultórico, un recorrido rico en variedad. El espacio en su conjunto se dinamiza a través de la afinación de proporciones, líneas de visión, reflejos y posibilidades de movimiento. Las piezas aquí mostradas son el resultado de combinaciones o variaciones de trabajos anteriores. Para algunas de sus obras, el artista hace bocetos en papel; para otras, prueba varias composiciones experimentales con sus materiales en el estudio. El mismo Dávila habla de un “ecosistema de objetos”.

Las exhibiciones de Dávila revelan múltiples vínculos con la historia del arte del siglo XX, especialmente con el arte concreto, el arte minimalista, el arte povera y el arte conceptual. Con Objet du Voyageur (The traveler’s item), por ejemplo, una rueda de bicicleta sobre una torre apilada de metal, hormigón y ladrillo, Dávila alude a la Roue de Bicyclette de 1913 de Marcel Duchamp. Los ecos del Bottle Rack de Duchamp resuenan en Acapulco chair stack (2021), una interpretación artísticamente poética de un diseño clásico de México. Las pinturas de gran formato que se presentan en la sala con columnas también tienen un trasfondo. Durante la pandemia del coronavirus, Dávila abordó intensamente la iconografía del círculo en la historia del arte del siglo XX. Como símbolo, el círculo representa, entre otras cosas, la unidad, lo absoluto, lo completo, lo divino, el infinito o (en forma de serpiente uróboros mordiéndo su propia cola) la recurrencia. Las nuevas pinturas de Dávila también tratan sobre lo recurrente: en estas, se ha remontado a las pinturas circulares de artistas como Hilma af Klint, Frank Stella y Willys de Castro, copiando y reensamblando partes de ellas. El título de estas obras, The fact of constantly returning to the same point or situation, está tomado de una entrada del Diccionario de Cambridge sobre el término “circularidad”. Las narrativas recién desarrolladas de Dávila, con las que recontextualiza de manera estimulante las posiciones históricas, muestran que la historia (del arte) no solo da vueltas en círculos, sino que siempre avanza.