Para su cuerpo de trabajo, The fact of constantly returning to the same point or situation, presentado aquí con motivo de la exposición individual del artista, José Dávila se ha basado en la definición de circularidad que encontró en el diccionario. Como sugiere claramente el título, cada lienzo presenta una combinación de círculos concéntricos perfectamente ejecutados, imposibles de lograr a mano. La naturaleza discordante que caracteriza aspectos como pinceladas, contornos, elección de colores, superposición y combinación de círculos evoca en el espectador la iconografía del círculo a lo largo de la historia del arte.

Algunos ejemplos que vienen a la mente: la Serie Protractor de Frank Stella; los diagramas de Gabriel Orozco; el Neoconcretismo de Willys de Castro; el Orfismo de Sonia Delaunay; el misticismo de Hilma af Klint; el mundo mecanizado de Francis Picabia; y la calidad rítmica de las pinturas de Sophie Taeuber-Arp. Al reconstruir y reorganizar en la superficie las formas circulares que han cautivado a artistas de diferentes épocas, Dávila parece crear una especie de efecto mandala donde dimensiones que normalmente no se cruzarían coexisten y se comunican simultáneamente.

A menudo, la tela de lino del lienzo dentro y fuera de la circunferencia del círculo se deja expuesta, como si insinuara que fue recortada de otra dimensión, y, de vez en cuando, ese espacio vacío se incorpora en otro círculo. Para Dávila, la ausencia y la presencia son igualmente significativas, y las figuras geométricas, que no están sujetas a ningún tipo de autoría, son tan esenciales como las obras de arte que, por el contrario, no pueden separarse de su autor.

Si miramos las formas circulares icónicas a lo largo de la historia del arte como un intento de reutilizar el concepto tradicional de círculo como algo que simboliza perfección e idealismo (realizado por cada artista según su estilo único), Dávila paradójicamente resalta la esencia del círculo como una idea a través de su reapropriación, combinación y reconstrucción.

Los conceptos de reapropriación y reconstrucción también pueden observarse en las dos obras escultóricas, Acapulco chair stack (2024) y A Secret Wish (2023), cuyo humor enigmático nos recuerda a Duchamp. La inspiración de Dávila detrás de estas dos obras puede rastrearse hasta una silla, llamada precisamente silla Acapulco, diseñada para envolver el cuerpo como una especie de hamaca gracias a su estructura metálica envuelta en cordón de vinilo, cuya popularidad se extendió desde México al resto del mundo.

Este diseño no tiene autor ni dueño (al igual que el círculo); puede ser reproducido o alterado por cualquiera. Acapulco chair stack de Dávila presenta piedras de río de diferentes escalas colocadas dentro de la estructura metálica de dos sillas Acapulco unidas, y desde la distancia, tal conjunto material parece una especie de sistema planetario donde las piedras de río representan pequeños planetas y el marco metálico amarillo sus órbitas. Cada componente no ha sido fijado ni pegado permanentemente a la estructura, lo que implica la posibilidad de que dicho equilibrio delicado colapse si se toca. Si observamos la escultura en la historia del arte del siglo XX, pensando en el trabajo de Brancusi o Anthony Caro, por ejemplo, podríamos finalmente presenciar el surgimiento de una tendencia a buscar la ligereza como si estuviera libre de peso, flotando en el espacio; sin embargo, con su obra, Dávila enfatiza una vez más que es imposible escapar de esa calidad material.

Mientras confían su peso a la estructura metálica poco confiable, las piedras también funcionan como un contrapeso que da estabilidad a la silla, manteniéndola firmemente en el suelo, enfatizando la dependencia mutua entre las formas geométricas industriales creadas por el hombre y las formas orgánicas de la naturaleza. La obra, que aparentemente muestra ese momento congelado en el tiempo justo antes de que todo colapse, también resalta la irreversibilidad del tiempo. Naturalmente, tanto el marco metálico como las piedras son materiales duros, y, aunque colapsen desde la pared, no se romperán en pequeños pedazos. Sin embargo, hay una atmósfera que impregna todo, incluidos los espectadores, con una sensación de suspense, que intuitivamente nos hace sentir que no hay vuelta atrás, vinculando a los espectadores con las obras en una relación de ver/ser visto basada en la confianza mutua.

Centrado en su constante regreso al círculo como arquetipo, The fact of constantly returning to the same point or situation puede parecer desconectado de la Acapulco chair stack, que, por otro lado, evoca el concepto de irreversibilidad. Sin embargo, ambos comparten un hilo conductor en la preservación del equilibrio, aunque sea temporalmente, yuxtaponiendo elementos incompatibles mientras abarcan armonía, incomodidad, contradicción, fricción, tensión y confianza.

Y eso es exactamente lo que estimula nuestra curiosidad hacia las cosas que vemos, es decir, el mundo en el que vivimos.

-Texto por Hikari Odaka, curadora del Museo de Arte Contemporáneo de Tokio